漫画の実写化はなぜ賛否を呼ぶのか
— 原作と映像化のあいだにある構造から考える

漫画の実写化が発表されると、期待の声と不安の声がほとんど同時に立ち上がる。この光景は、もうすっかり見慣れたものになった。歓迎と落胆がここまできれいに同居する例は、他のメディア展開ではあまり見かけない。なぜ実写化だけが、これほど評価を割るのだろうか。今回はその理由を、個別の作品の出来不出来としてではなく、原作と映像化のあいだに横たわる構造の問題として考えてみたい。

あらかじめ断っておくと、この記事は特定の作品や監督、俳優、制作会社を名指しして「あれは失敗だった」と評価するものではない。実写化の受け止められ方は作品ごと、時期ごとに大きく異なり、公開直後の評判とその後の再評価が食い違うことも珍しくない。ここで扱いたいのは個別の当たり外れではなく、漫画という表現を映像に置き換える工程そのものに、賛否が生まれやすい要因が組み込まれているという構造の話だ。作品名に触れる場合も、良し悪しを断定するためではなく、あくまで一般的な例として挙げるにとどめる。

「賛否」は事故ではなく、繰り返し起きる現象だ

実写化のニュースが出るたびに、SNSのタイムラインには似たような言葉が並ぶ。「イメージと違う」「原作を大事にしてほしい」「でも観に行くとは思う」。この反応のパターンがあまりに規則的なので、むしろ一種の様式のようにさえ見えてくる。もしこれが特定の一作品だけに起きる偶発的なトラブルなら、原因は作り手の力量や誠実さの問題として片づけられるだろう。しかし同じ構図が作品を変え、時代を変え、繰り返し現れるのだとすれば、そこには媒体を移し替えるという行為そのものに根ざした要因があると考えたほうが筋が通る。以下では、その要因を尺・配役・改変・商業構造という四つの角度から順に見ていく。

数十巻の物語を、二時間前後に収める

連載漫画は、長いものだと十年単位の時間をかけて数十巻に及ぶ。その間には本筋とは別に積み重なる挿話や、じわじわと変化していく人間関係、読者が数年かけて愛着を育てていく脇役たちがいる。これを尺の限られた映画や連続ドラマに移すとき、まず削られるのは分量だ。実写映画の多くは二時間前後、連続ドラマでも十話前後という枠に収める必要があり、原作が積み上げてきた情報量をそのまま持ち込むことはまず不可能に近い。結果として複数のキャラクターが一人に統合されたり、長期にわたる伏線が圧縮されたり、時には丸ごと省略されたりする。

加えて、漫画とカメラでは「間」の作り方そのものが違う。漫画はコマとコマの間の余白を読者自身の想像力が埋めることで成立する表現で、ページをめくる速度も読者に委ねられている。一方、映像は基本的に一定の時間軸で流れ続け、間の長さや視点の切り替えを監督や編集が決める。同じ場面を再現しても、読者が脳内で補っていた余白が映像では埋め尽くされてしまい、「思っていたテンポと違う」という違和感につながりやすい。これは技術の巧拙というより、メディアの性質の違いに近い。

読者の数だけ、原作の「絵」がある

キャスティングが発表されるたびに賛否が集まりやすいのも、構造として説明がつく面がある。漫画のキャラクターは、線の省略や誇張、色彩の記号的な使い方によって作られた一種の理想化された像だ。読者はそれをそのまま受け取るのではなく、コマとコマの間で自分なりの人物像を補いながら読んでいる。つまり同じ一人のキャラクターについて、読者の数だけわずかに異なる「脳内の完成形」が存在している状態に近い。実写でキャストを一人に決めた瞬間、その多様な完成形のどれとも完全には一致しない現実の顔がスクリーンに現れることになる。

制作側の事情も無視できない。配役は演技力や役へのはまり具合だけでなく、スケジュールの調整や所属事務所との関係、話題性による集客力など、映画やドラマを一本成立させるために必要な現実的な条件を踏まえて決まっていく。原作ファンからは「なぜこの人が」と映る配役も、興行として成立させるための積み重ねの結果であることが多い。理想的な一致を狙うことと、興行を成立させることは、必ずしも同じ方向を向いていない。

結末やキャラクターが変わるとき

連載中の作品を映像化する場合、原作の物語がまだ終わっていないという事情も改変を後押しする。映画やドラマは一つの区切りとして完結させる必要があるため、原作の結末を先取りしたオリジナルの決着を用意したり、時系列を組み替えたりすることがある。原作がすでに完結している場合でも、テンポや尺の都合でエピソードの順序や比重が変わることは珍しくない。

こうした改変にあたっては、原作者の意見を聞く工程が設けられるのが一般的とされる。ただし、原作者の意見が「必ず反映される」というより「必ず伺う」という性質のもので、最終的な判断は制作サイドに委ねられる場面もあるようだ(注3)。読者にとっては、自分が何度も読み返した特定の台詞やコマが変更・削除されることは、物語全体の出来とは別に、個人的な喪失感として響きやすい。改変の是非を一律に断じることは難しいが、原作への向き合い方が結果に表れやすい工程であることは確かだろう。

なぜ実写化は続くのか、そしてもう一つの顔

批判が起きるとわかっていても実写化の企画が絶えないのには、商業上の合理性がある。テレビアニメや映画の多くは、放送局や出版社、広告代理店など複数の企業が出資し合う製作委員会方式で作られており、この仕組みは、数千万円から数億円単位を要するといわれる制作費のリスクを分散するために発展してきた(注1)。出資する側からすれば、すでに読者を抱え、知名度のある人気漫画は、まったくのオリジナル企画に比べて「当たり外れを予測しやすい」投資先になりやすい。出版社側の事情も同じ方向を向いている。マンガ誌の影響力が落ちているなかでSNSで話題になること自体に価値がある、という声が出版関係者から出ている(注2)。話題になりやすい素材が選ばれやすいという構造が、実写化という選択を後押ししている面は否定しにくい。

その一方で、実写化には原作にとってプラスに働く側面もある。出版社の側から見れば、実写化は「普段マンガを読まない層が手に取るきっかけになる」ありがたい話だ、という証言がある(注2)。読者の裾野を誌面の外へ広げる接点として位置づけられている、ということだ。批判と経済的な追い風が同じ発表の中に同居しているのが、このジャンルの落ち着かなさの正体でもある。実写化を賛否のどちらかに決めつけるのではなく、原作をあらためて開いてみる、というのも実写化との付き合い方のひとつだろう。